场面调度是在影视制作公司拍摄中常出现的，一个词，它是指“摆在合适的位置”或者是“放在场景中”。在影视制作中，主要还是指导演通过场面调度，将剧本的思想、情节、人物等等传达给观众，是银幕电影最常见的一种表现手法。
在影视制作中，场面调度具体包括了以下几个方面：
一、位置的安排
就是指演员及其相互间的位置（远、近、上、下等）；动作与布景或场景的位置关系。摄影机的摆放；与演员以及特殊场景的关系（远、近、高、低等）。
二、摄影机
电影胶片及其洗印，或色调的设置（视频拍摄）。
镜头型号的选择。
构图（景深、透视法、对空间的处理）。
运动
为剪辑而考虑的各个拍摄角度。
影像设计。
三、对色彩的运用
布光所透出的情绪、对场地的处理以及对一天中不同时间的把握。
为了营造戏剧效果做出的画面设计。
四、故事内容
节奏（动作与视觉效果）
视点（观众应该与哪个角色的意识保持一致）。
主旨或中心主题。
视觉与听觉上的象征。
铺垫。
五、音效设计
剧情声（影片情景中的声音）或非剧情声（由故事讲述者加入的）。
哪部分声音具有叙事功能。
是主观视点还是客观视点。
六、长镜头VS短镜头
拍一场戏意味着拍摄角度和对象要有足够的变化，这样一场戏才能在银幕上吸引人。
长镜头方案：大体来说需要一台灵活的摄影机以及错综复杂的摄影机与演员调度，避免平淡、舞台式的效果。
短镜头方案：通常在短镜头作品中，诸多镜头被剪辑到一起制造出节奏、并置和张力。但是观众必须费力去理解这些剪辑。素材明显是被操控的，而且像MTV这种狂热的极致形式中，大批的动作碎片抛向观众，迫使他们自己去连成整体。很多导演并不愿意依靠令人过度紧张的剪辑，而是就单个镜头来设计他们的场面调度，每个镜头中都饱含了更复杂的调度。
七、固定镜头VS移动镜头
置于三脚架上的摄影机能够通过镜头变焦使景物放大，这样不用靠近演员就能拍到稳定的近景画面。另一方面，你如果不能把摄像机安置在移动摄影车或者吊臂等设备上，使摄影机以事先确定好的路线流畅顺滑地移动，你就无法获得拍摄的有利位置。这要求演员与技术人员的高精确度，如果想要构图和焦点保证正确，演员就必须准确地踏在地板的走位标记上。遮掩演员的自发性就被牺牲了。
如果想快速拍摄半即兴的表演，手持式摄影机就是最好的办法。会用的人，能用它达到绝佳的效果。但交给没有惊艳的人，只会浪费时间。拉斯•冯•特里尔的电影《破浪》就完全采用手持拍摄。故事中的贝丝是天真年少的苏格兰人，丈夫在一次石油泄漏中瘫痪，电影采用诸多突然的急迫的镜头来描绘她无望的未来。
摄像机的主观表达法或客观表达法
这两种摄影机的表达方法，一种经过精心策划、准确控制，另一种则不固定、即兴、变化多样，两者呈现出完全不同的观察方式。根据动作，一种感觉主观，另一种则显得客观。因此只靠不同的拍摄手法就能改变电影的情感表露，可以使其变得更加个性或更加敏感。仅仅运用一种方法会使电影显得平淡无奇，而两种方式合理地交替出现会产生强大的感染力。
八、关联性：分离拍摄法和综合拍摄法
构图和取景能极大地影响一场戏的效果。倘若将两人分开，分别取每个人单独的近景，再将之交切剪辑，所产生的效果与交切过肩镜头感觉截然不同。特写镜头之间的时空关系是在拍摄中控制的，用过肩镜头法拍摄的人物在空间上保持与其他人的联系。在过肩镜头中，电影的观察者与对话者发生关系，但是在单人镜头中，观察者只与其中一人保持关系。在电影中，这种隔离效果是个特例：画框的限制总迫使我们填满镜头，并展示所有事物与所有人物之间的空间关系，以此来利用宝贵的银幕空间。在一场有多个角色的戏中，计划拍摄不同的角度和丰富的反映镜头，这样的话，剪辑师可以删减过长的素材，而在处理对话和同时进行的运动时，充足的素材也能保证其剪辑的余地。
九、勇于追求简单
观看过度剪辑的场景会严重消耗观众的判断能力，所以我们应该设法调度拍摄对象与摄影机之间的关系，尽量多地将信息包含在一个单独的镜头内。通过在每个画面中突出你想并置的主要元素，以减少对联想剪辑的需求。沿着线轴拍摄也能帮助创造新的角度。二维银幕影像唯一能够呈现的深度是刻意通过透视、构图或照明创造的。摄影机的运动通常源于角色移动之后的重新取景，或是想纳入此前不在画框内的事物，在所有这一切中，你最主要的老师就是你所拍的电影的类型中最经典的电影。当你有引人注目的故事、绝佳的表演和创造性的调度时，简单的技术也可以看起来相当好。华丽而俗气的摄影常常暴露了这些元素的匮乏。
十、摄影机作为观察意识
把摄影机作为探索的观察者，并想像你怎样让观众体验一个场景。如果有一个场景是在动荡的跳蚤市场中，那么就没有必要将摄影机限制在三脚架上。让摄影机进入一个漫步的买家的视点，他开始观察一群讨价还价的人，他们仔细观察商品，当有人喊出来，就左右摆动摄影机。
比如在拍摄教堂礼拜的场景，在进行复杂仪式时，摄像机是固定的，那么就要确定哪个视点是观众共享的，才能确定固定的角度。
